Reproduzierbarkeit und Bewertung des Ergebnisses im spanischen klassischen Gitarrenbau
Vladimir Druzhinin and Timofey Tkach / March 23 2021
Zusammenfassung
Die konsistente Reproduktion eines zuvor erzielten Ergebnisses ist eines der wichtigsten Ziele eines Geigenbauers. Dies gilt in erster Linie für grundlegende Eigenschaften des Instruments wie Klangcharakter und Klangklasse. Die Fähigkeit, das Ergebnis objektiv zu bewerten und zu reproduzieren, ist eine Voraussetzung für die Entwicklung und Verbesserung der Meisterschaft.
Unser Artikel befasst sich mit dem Problem der Reproduktion des Klangs eines Instruments und formuliert einen allgemeinen praktischen Ansatz zu dessen Lösung. Außerdem definieren wir die Grundbegriffe und beschreiben die Kriterien zur Bewertung des Klangs der Gitarre.
*Wir danken Guitar Salon International und Alexander Pokasovsky für ihre wertvolle Unterstützung bei der Erstellung der englischen Übersetzung dieses Artikels.
1 – Einleitung
Geigenbauer arbeiten mit Holz. Auf der Grundlage von Wissen und Tradition, mit handwerklichem Geschick und künstlerischem Geschmack bauen sie Instrumente, deren Ästhetik und Aussehen zwar wichtig sind, aber nicht Selbstzweck sind. Aus der Sicht eines Geigenbauers ist das Instrument ein Mechanismus. Es lässt sich messen, wiegen und anderen objektiven Untersuchungsmethoden unterziehen. Seine Teile sind miteinander verbunden und interagieren miteinander. Die Herausforderung besteht darin, sie koordiniert zusammenarbeiten zu lassen. Um dieses Ergebnis zu erzielen, sind sowohl eine technologische Methode als auch Bewertungskriterien erforderlich.
Für Geigenbauer besteht das Hauptziel beim Bau von Instrumenten darin, Musikern ein Medium zur Verfügung zu stellen: ein Klangpotenzial, mit dem sie ihre künstlerischen Ideen verwirklichen können.
Musiker neigen dazu, Instrumente hauptsächlich anhand ihres Klangs und ihrer haptischen Eigenschaften zu bewerten, die sie beim Spielen wahrnehmen. Ihre Beurteilung der Klangqualität basiert weitgehend auf ihren individuellen Empfindungen und Eindrücken, ist also subjektiv. Dennoch lässt sich aus historischer Perspektive beobachten, dass sich die Musikwelt bei der Bewertung bestimmter Instrumente auf einen Konsens einigt.
Es gibt viele Beispiele dafür, aber das auffälligste ist die Violine. Heute herrscht in Fachkreisen allgemein die Meinung vor, dass die besten Violinen italienische Instrumente sind, die zwischen dem 16. und 18. Jahrhundert hergestellt wurden. Moderne Geigenbauer orientieren sich in ihrer Arbeit an den Italienern dieser Zeit. Das Gleiche gilt für die klassische Gitarre, für die die spanische Schule des 19. bis 20. Jahrhunderts ein Vorbild ist. Diese Schule ist ein Produkt der spanischen Volksmusiktradition und der mühevollen Arbeit vieler Generationen von Handwerkern, die sich bemühten, ein Instrumentendesign zu schaffen, das den Anforderungen der Musiker am besten gerecht wird.
Sowohl die italienische Violine als auch die spanische Gitarre haben sich organisch mit dem Kontext verschiedener nationaler Kulturen und musikalischer Trends verflochten und sind zu Maßstäben für Klangqualität geworden. Diese einhellige Zustimmung von Menschen auf der ganzen Welt lässt vermuten, dass es gemeinsame (und daher objektive) Kriterien für die Beurteilung der Klangqualität gibt.
Wenn wir uns auf den Bau der klassischen Gitarre beziehen, nehmen wir die bereits etablierte spanische Schule als Ausgangspunkt. Folglich besteht unsere Aufgabe darin, zu verstehen, wie die Handwerker dieser Schule das Ergebnis erzielt haben und welche Klangeigenschaften dazu beigetragen haben, dass ihre Instrumente die Welt erobert haben. Wir müssen den Klang als physikalisches Phänomen analysieren und verstehen, wie er aufgebaut ist. Wir müssen die Beziehung zwischen den Eigenschaften des Klangs und seiner Wahrnehmung verstehen. Darüber hinaus müssen wir Kriterien zur Bewertung des Klangs entwickeln. Diese müssen objektiv sein, wenn wir eine zuverlässige Analyse anstreben. Daher haben wir es uns zur Aufgabe gemacht, die Methode zum Bau einer spanischen Gitarre zu entwickeln und zu formulieren, mit der wir das Ergebnis erzielen und kontinuierlich reproduzieren können. Dabei stützen wir uns auf die Forschung zu spanischen Instrumenten sowie auf unsere eigenen Erfahrungen im Gitarrenbau.
2 – Grundbegriffe
Viele der Begriffe, die wir in diesem Artikel verwenden, sind unter Musikern und Instrumentenbauern allgemein bekannt. Ihre Bedeutung ist jedoch oft nicht genau definiert und kann mehrdeutig sein. Um Verwirrung zu vermeiden, haben wir die folgenden Definitionen formuliert:
Klangbildung bezeichnet die Vorgänge in einem Musikinstrument, durch die die Einwirkung des Spielers (das Zupfen) in Klang (Luftschwingungen) umgewandelt wird.
Der Klangcharakter vereint die spezifischen Merkmale, die für den Klang eines bestimmten Musikinstrumentendesigns charakteristisch sind und die es ermöglichen, dieses Design zu identifizieren.
Diese Eigenschaften ermöglichen es, den Klang verschiedener Musikinstrumente zu unterscheiden, selbst wenn man dasselbe Musikmaterial hört. Dies gilt auch für verschiedene Gitarrenmodelle. Obwohl sie viele Gemeinsamkeiten aufweisen, hat jeder Klang seine spezifischen Eigenschaften. Für einen Musiker ist der Klang während eines Auftritts auch mit taktilen Empfindungen verbunden, die ebenfalls spezifisch sind und eine wichtige Rolle bei der Wahrnehmung des Instruments spielen.
Die untrennbare Verbindung zwischen auditiver Wahrnehmung und Bewusstsein ermöglicht es uns, die Vielzahl objektiver Klangeigenschaften, die wir bewerten können, sowohl zu unterscheiden als auch als Ganzes wahrzunehmen. Sie alle fügen sich zu einem Gesamtbild zusammen und bilden ein künstlerisches Bild im Geist, subjektive Eindrücke und Bewertungen. Die auditive Analyse kann kompliziert werden, da wir die objektiven Daten trennen müssen, um zuverlässige Schlussfolgerungen ziehen zu können. Durch bestimmtes Training kann man lernen, das Gehör als Werkzeug für die objektive Analyse von Klängen zu nutzen. Diese Fähigkeit ist notwendig, um Probleme zu lösen, mit denen wir beim Bau einer Gitarre konfrontiert sind.
Das Design einer Gitarre bezieht sich auf ihre detaillierte strukturelle Beschaffenheit: die Art der Montage, die Form, die Abmessungen und die Anordnung aller ihrer Teile.
Wir müssen die am Design vorgenommenen Änderungen nach ihrer Auswirkung auf den Klangcharakter des Instruments unterscheiden. Die Beibehaltung des Klangcharakters ist das Kriterium für die Unveränderlichkeit des Designs. Eine geringfügige Abweichung in der Größe bestimmter Elemente (Verstrebungshöhen, Hals- oder Decken-/Bodenstärken, Schalllochdurchmesser usw.) verändert den Klangcharakter nicht grundlegend. Wir betrachten das Design hiermit als unverändert.
Als Modifikation der Konstruktion betrachten wir schwerwiegendere Eingriffe, die die Funktionsweise grundlegend verändern (Verschiebung der Verstrebungen oder Stangen, Änderungen im Anordnungsprinzip, Änderungen der Körperproportionen usw.). Der zulässige Bereich von Größenabweichungen, die die Grenzen des Designs nicht überschreiten, wird durch die spezifischen Arbeitsbedingungen im Einzelfall bestimmt. Beispielsweise verändert eine sukzessive Erhöhung der Höhe der Ventilatorverstrebungen an einer bestimmten Stelle die Proportionen ihres Querschnitts und erhöht ihre Steifigkeit radikal. Ihr Gleichgewicht in der Resonanzdecke verändert sich grundlegend. Dies wäre zweifellos bereits eine wesentliche Änderung, die gegen das Design verstößt.
Das Tuning ist die Anpassung der Elastizität und Massenverteilung im Instrument, die durch bestimmte Manipulationen an den Abmessungen seiner Teile durchgeführt wird, ohne das Design zu verändern.
Die Klangklasse ist eine qualitative Bewertung des Klangs auf der Grundlage der wichtigsten objektiven Merkmale, wie z. B.:
- – Geschwindigkeit und Charakter der Klangentstehung und des Ausklingens;
- – Dynamikbereich, dynamische Steuerbarkeit;
- – Timbre density and variability.
Gegebenenfalls bewerten wir die Gleichmäßigkeit jeder der oben genannten Eigenschaften über den gesamten Dynamikbereich und alle Register der Gitarre hinweg.
Eine detaillierte Beschreibung der Kriterien zur Bewertung des Klangs finden Sie im nächsten Abschnitt.
Wir haben das Design mit dem Klangcharakter der Gitarre verknüpft. Die Klangklasse wird durch die Genauigkeit bei der Abstimmung und Ausbalancierung der Instrumententeile während des Stimmvorgangs bestimmt.
3 - Kriterien zur Bewertung der Klangqualität
Wenn wir ein Instrument hören oder spielen, nehmen wir seinen Klang als Ganzes wahr und beschreiben ihn oft mit allgemeinen Begriffen, die metaphorisch sind und unsere subjektive emotionale Wahrnehmung widerspiegeln (weich, scharf, glasig, zähflüssig, süß, fließend, singend, warm, kalt usw.). Diese Art der Klangbewertung eignet sich gut für künstlerische Beschreibungen, ist aber aus praktischer Sicht nutzlos.
Es ist schwierig, den Weg zu einem schönen Klang zu beschreiben, da solche Begriffe individuelle Gefühle und Erfahrungen ausdrücken. Dennoch gibt es im Kern der subjektiven Wahrnehmung eine Reihe grundlegender objektiver Eigenschaften des Klangs, die wir herausarbeiten müssen, um Kriterien für eine sinnvolle Bewertung unserer eigenen Arbeit zu haben.
Eine einfache harmonische Schwingung hat nur zwei Eigenschaften, die sich im Laufe der Zeit ändern: Frequenz und Amplitude. Der Klang einer Gitarre ist das Ergebnis komplexer Schwingungsprozesse. In diesem Fall können wir zwischen den Klangeigenschaften unterscheiden, die mit der Klangentstehung (Entwicklung im Laufe der Zeit), der Klangfarbenzusammensetzung sowie den dynamischen Eigenschaften zusammenhängen.
Es ist zu beachten, dass die Fähigkeit, den Klang eines Instruments zu analysieren, trainiert werden muss; außerdem ist Erfahrung im bewussten Hören erforderlich. Es kann recht schwierig sein, für jedes der beschriebenen Kriterien eine quantitative Bewertung (z. B. auf einer 10-Punkte-Skala) abzugeben. Oftmals ermöglicht eine vergleichende Bewertung mehrerer Gitarren eine klarere Unterscheidung und ein besseres Verständnis der individuellen Klangcharakteristika. Das Anhören von Aufnahmen und das Spielen hochwertiger Instrumente kann dabei helfen, die für eine objektive Analyse erforderliche persönliche Hörkompetenz aufzubauen.
Wenn es klare Kriterien gibt, ist es möglich, zu beurteilen, wie gut der Gitarrensound organisiert ist, Instrumente miteinander zu vergleichen und die Klangklasse zu bewerten.
3.1 – Attack und Decay
Der Klang einer Gitarre entsteht oder verklingt nicht augenblicklich. Zwischen dem Anschlagen der Saite und dem Klang, der unser Ohr erreicht, entwickeln sich komplexe Schwingungen der Saite, des Gitarrenkorpus, der umgebenden und eingeschlossenen Luft. Der Moment des Anschlagens ist der einzige Kontakt (abgesehen von Vibrato und anderen Techniken der linken Hand) zwischen dem Spieler und der Saite, in dem der Spieler den Klang beeinflussen kann. Jede Klangentwicklung nach diesem Zeitpunkt liegt außerhalb der Kontrolle des Spielers und hängt vollständig von der Klangbildung in der Gitarre ab. Deshalb sind die Anschlaggeschwindigkeit (Klangbildung) und die Ausklingdauer (Klangausblendung) so wichtig.
Insbesondere wenn die Musikstruktur schnelle Notenwechsel beinhaltet (Tremolo, Rasgueado, Arpeggio, Triller und schnelle Passagen). Für den Musiker ist es entscheidend, wie schnell das Instrument vollständig in die Schwingung einsteigt. Je schneller dies geschieht, desto fokussierter, klarer und farbenreicher ist der Klang. Die Anschlagqualität ist für den Spielkomfort von großer Bedeutung. Ein langsamer Anschlag führt zu übermäßiger Reflexspannung in den Händen, da die Bewegungen und die Reaktion der Gitarre nicht aufeinander abgestimmt sind. Im Gegensatz dazu schafft ein schneller Anschlag ein Gefühl der Leichtigkeit und eine gute Verbindung zum Instrument. Die Handbewegungen sind auf den Klang abgestimmt. Ein Instrument mit einem schnellen Anschlag reagiert gut auf verschiedene Spieltechniken der linken Hand (Vibrato, Legato, Triller).
Nicht weniger wichtig ist der Ausklang. Es wird allgemein angenommen, dass ein Gitarrensound lang und nachhaltig sein sollte. Ein übermäßiger Sustain verursacht jedoch Kontrollprobleme in der rechten Hand: Wenn sich die Noten schnell ändern, haben sie aufgrund der Trägheit des Instruments nicht genügend Zeit, um auszuklingen.
Ein schneller Anschlag und ein relativ schneller Ausklang sind charakteristisch für den Klang der klassischen Gitarre. Dadurch ist es unabhängig von der musikalischen Textur möglich, eine flüssige und zusammenhängende Phrase zu erzielen (jeder Ton erscheint ohne Verzögerung) und ein Vermischen zu vermeiden, wenn schnell von einer Note zur nächsten gewechselt wird. Die längere Dauer wird weniger durch den Nachhall als vielmehr durch die Betonung erreicht, wodurch die gewünschte Note aus dem Kontext der Komposition hervorgehoben wird.
3.2 – Dynamik (Lautstärkebereich)
Our hearing adapts quite easily to different volume levels. Loudness perception is relative. Even loud sounds (within reasonable limits, of course) begin to be perceived as the norm if the volume range is relatively narrow. Of great importance for dynamic perception is also the level of noise, such as extraneous sounds which are interfering and competing with the “useful” sound.
Das Ausdrucksmittel für den Musiker ist also nicht die Lautstärke selbst, sondern der Dynamikbereich um den Durchschnittspegel herum, der durch sanftes Spielen mit mäßiger Zupfkraft erreicht wird. Von diesem Pegel aus haben wir einen Bereich in Richtung Pianissimo und einen Bereich in Richtung Fortissimo. Je größer dieser Bereich ist, desto ausdrucksstärker wird der betonte Klang wahrgenommen und desto mehr Möglichkeiten hat der Interpret, die emotionale Intensität des Stücks durch allmähliche Änderungen der Lautstärke (Crescendo, Diminuendo) zum Ausdruck zu bringen.
Die Korrelation zwischen Anschlagkraft und Lautstärke (dynamische Kontrollierbarkeit) ist entscheidend für den Spielkomfort. Wenn eine kleine Änderung der Anschlagkraft zu einer großen Änderung der Lautstärke führt oder umgekehrt ein großer Anschlagkraftbereich nur wenig Einfluss auf die Lautstärke hat, wird es extrem schwierig, dynamische Nuancen und Akzente zu setzen. Wenn ein gleichmäßiger Anstieg des natürlichen Anschlagkraftbereichs des Spielers mit dem dynamischen Anstieg des Bereichs des Instruments übereinstimmt, lässt sich die Gitarre leicht spielen und natürlich und intuitiv kontrollieren.
3.3 – Klangfarbe
Das Timbre ist die Klangfarbe. Jeder Ton, den wir mit einem Instrument erzeugen, ist ein Akkord, der aus Obertönen besteht (Teiltöne, die höher sind als der Grundton der erzeugten Note). Im Idealfall sind Obertöne Harmonische des Grundtons, d. h. sie sind durch dessen Frequenz teilbar. Beispielsweise hat der Grundton der Note „A” (5. offene Saite) eine Frequenz von 110 Hz und ist die erste Harmonische. Weitere Harmonische werden durch Multiplikation dieser Frequenz mit der Harmonischenzahl (220, 330, 440, 550, 660 Hz usw.) berechnet. Wenn diese Töne gleichzeitig erklingen, bilden sie verschiedene Intervalle zueinander (Frequenzverhältnisse von 1=2 für eine Oktave, 2=3 für eine Quinte, 3=4 für eine Quarte, 4=5 für eine große Terz usw.), und zusammen bilden sie eine Klangfarbe. Die Farbe hängt von der Amplitude, dem Ausklingen, der Tonhöhe und der Anzahl der Obertöne ab. Es können auch disharmonische Obertöne vorhanden sein. Je mehr davon vorhanden sind, desto weniger angenehm wird die Klangfarbe wahrgenommen.
Ein wichtiges Ausdrucksmittel für einen Musiker ist die Klangfarbenvariabilität. Hier bewerten wir, wie leicht das Instrument auf Veränderungen der Position der rechten Hand, des Zupfwinkels, der Zupfgeschwindigkeit und des Vibratos reagiert. Je nach Technik und Nuancen der Tonerzeugung erzeugt die Saite Obertöne in unterschiedlichen Anteilen, was sich auf den Klang des Instruments auswirken sollte.
An dieser Stelle ist es angebracht, sich den Anschlag der Gitarre in Erinnerung zu rufen: Je schneller alle Teile des Instruments in die Schwingung einbezogen werden können, desto mehr Obertöne können in kürzester Zeit zum Klang beitragen. Dies verdeutlicht den Zusammenhang zwischen Klangfarbe und Anschlag.
3.4 – Gleichmäßigkeit
Die Gleichmäßigkeit ist ein Kriterium, das für alle oben beschriebenen Klangeigenschaften gilt und diese miteinander verbindet. Sie beschreibt die Klangqualität des Instruments als Ganzes. Gleichmäßigkeit bezieht sich auf die Ähnlichkeit der Klangeigenschaften aller Noten auf dem Gitarrenhals (Gleichmäßigkeit in allen Registern und im Dynamikbereich). Der Anschlag sowie der Ausklang, die Klangfarbe, die dynamische Steuerbarkeit und der Tonumfang sollten in allen Registern ähnlich sein. Nur ein solches Instrument ist für den Musiker beherrschbar und vorhersehbar.
Die Beurteilung der Gleichmäßigkeit des Klangs kann eine gewisse Herausforderung darstellen. Wenn man beispielsweise eine chromatische Tonleiter über den gesamten Tonumfang der Gitarre spielt, kann man die Töne aus verschiedenen Registern nicht miteinander vergleichen. Bis man die hohen Töne erreicht hat, hat man den Klang der tiefen Töne bereits vergessen. Eine gute Methode, um zu überprüfen, ob ein Instrument „gleichmäßig“ ist, besteht darin, Musikstücke mit einer Textur zu spielen, in denen Töne aus verschiedenen Registern nacheinander oder gleichzeitig erklingen. Sie können beispielsweise die Ansprache der Gitarre beurteilen, indem Sie einen Akkord in verschiedenen Positionen spielen, mit großem Abstand (z. B. offener Bass und Harmonie am oberen Ende des Tonumfangs) oder mit offenen Akkorden. Wenn Sie eine deutliche Dominanz einiger Töne gegenüber anderen hören oder wenn Anschlag, Ausklang und Klangfarbe eines Akkords nicht einheitlich sind, haben Sie es mit einem problematischen Instrument zu tun.
Die Gleichmäßigkeit über den Dynamikbereich in verschiedenen Registern lässt sich am besten testen, indem man ein Arpeggio spielt, das möglichst viele Positionen auf dem Griffbrett umfasst. Aus unserer Sicht ist das beste Beispiel dafür die Etüde Nr. 1 von Heitor Villa-Lobos. Wenn es keine Schwierigkeiten gibt, die Lautstärke gleichmäßig zu verändern, und wenn alle Noten innerhalb eines Akkords gleich klingen, dann ist die Gleichmäßigkeit in Ordnung.
Es ist die Gleichmäßigkeit (und damit die Vorhersehbarkeit), die es einem Musiker ermöglicht, das volle Potenzial des Instruments in Bezug auf harmonische Textur und Stimmführung sowie deren Kombination auszuschöpfen, was für die Gitarre sehr charakteristisch ist.
4 – Das Problem der Reproduzierbarkeit des Ergebnisses
Das Arbeitsprinzip eines Gitarrenbauers – das Bauen einer Gitarre von Hand – ermöglicht es, jedes Bauteil in allen Phasen der Montage mit größter Sorgfalt und Gründlichkeit zu bearbeiten. Es gibt viele Herausforderungen: von der Gesamtplanung und Begründung des strukturellen Designs des Instruments bis hin zu den rein technischen Herausforderungen bei der Herstellung einzelner Teile. Diese Arbeit muss systematisiert werden, d. h. es muss ein Arbeitsablauf entwickelt werden, der es ermöglicht, bewusst einer bestimmten Reihenfolge zu folgen, mit einer methodischen Begründung für alle Manipulationen, die in der einen oder anderen Phase durchgeführt werden.
Die Richtigkeit des systematischen Ansatzes wird durch die Möglichkeit belegt, das Ergebnis konsistent zu reproduzieren. Wenn die exakte Einhaltung des technologischen Prozesses nicht zur Reproduktion des Ergebnisses führt, deutet dies darauf hin, dass an irgendeiner Stelle ein Fehler gemacht worden sein muss und dass es wichtige Faktoren gibt, die außerhalb unserer Kontrolle liegen.
Das Ergebnis bezeichnen wir nun als den Klang einer Gitarre im allgemeinsten Sinne. Im weiteren Verlauf unserer Diskussion werden wir diesen Begriff noch näher erläutern müssen. Beginnen wir also damit, zu prüfen, ob es möglich ist, den Klang eines Referenzinstruments exakt zu kopieren.
4.1 – Exaktes Kopieren
Eine Gitarre ist ein materielles Objekt. Alle darin ablaufenden Prozesse folgen den Gesetzen der Physik. Der Klang einer Gitarre ist in all seinen subtilen Aspekten nichts anderes als das Ergebnis zahlreicher Schwingungsprozesse, die sich in ihr entwickeln. Diese Prozesse wiederum werden von zwei Faktoren bestimmt:
- – die innere Struktur und die Eigenschaften der Materialien, aus denen das Instrument hergestellt ist,
- – die Gestaltung des Instruments.
Die Aufgabe, einen Klang genau zu reproduzieren, läuft also auf ihre gleichzeitige Nachbildung hinaus. Wir haben bewusst einen weiteren Faktor, der den Klang beeinflusst, ausgeklammert: den Einfluss der Umgebungsbedingungen. Wir betrachten diese als Konstanten. Für ein Gedankenexperiment ist es kein Problem, zwei Gitarren zum Vergleich in derselben Umgebung aufzustellen.
Die für uns wichtigen Materialeigenschaften sind die Masse und die Elastizität oder, genauer gesagt, deren Verteilung im Instrument. Diese Eigenschaften bestimmen die Schwingungsparameter jedes Teils der Gitarre, genauso wie Masse und Steifigkeit die Schwingung eines einfachen Federoszillators bestimmen. Holz ist ein strukturiertes Naturmaterial. Seine Dichte und Elastizität sind nicht gleichmäßig verteilt und können innerhalb eines einzigen Rohstücks über einen weiten Wertebereich variieren, ganz zu schweigen von Materialpartien, die aus verschiedenen Bäumen stammen (die Eigenschaften eines bestimmten Holzrohstücks hängen vom Klima und den Umweltbedingungen des jeweiligen Baumes, den Nuancen des Sägeschnitts sowie anderen Faktoren ab, die nicht kontrolliert werden können. Die Struktur von zwei Bäumen, die am selben Ort und scheinbar unter denselben Umweltbedingungen wachsen, kann sich erheblich unterscheiden).
Es ist unmöglich, die Eigenschaften und die Struktur von Holz zu kopieren, da es sich um ein einzigartiges Naturprodukt handelt. Jedes neue Instrument wird immer aus Materialien hergestellt, die sich in ihren Eigenschaften und ihrer Struktur erheblich von denen des Referenzinstruments unterscheiden. Das bedeutet, dass selbst bei einer noch so sorgfältigen Nachbildung des Designs keine exakte Reproduktion des Klangs erreicht werden kann: Die physikalischen Eigenschaften seiner Elemente werden unterschiedlich sein, ebenso wie die Parameter der Schwingungsprozesse, die den Klang bestimmen. Daher müssen wir unser Ziel überdenken.
4.2 – Praktische Aufgabenstellung
Wir haben uns zum Ziel gesetzt, einen Klang zu erzielen, der dem Referenzklang so nahe wie möglich kommt. Wir müssen das neue Instrument so bauen, dass die Schwingungsprozesse in seinem Inneren denen des Referenzinstruments möglichst genau entsprechen. Daher müssen wir bei einer neuen Gitarre eine Elastizität und Massenverteilung erzielen, die der Referenz möglichst nahe kommt.
Um dies zu erreichen, müssen zwei Bedingungen gleichzeitig erfüllt sein: Erstens muss das Design reproduziert und zweitens muss eine Abstimmung vorgenommen werden (d. h. die Elastizität und Massenverteilung des Instruments müssen angepasst werden, ohne dessen Design zu verändern). Die Arbeit mit den Abmessungen ist die einzige Möglichkeit, die Elastizitäts- und Massenparameter anzupassen. Es sei daran erinnert, dass wir zu Beginn bei der Definition des Designs eine gewisse Freiheit bei der Variation der Abmessungen festgelegt haben.
Also haben wir die Aufgabe formuliert, die bei der Arbeit an jedem neuen Instrument zu erfüllen ist. Das Ergebnis definieren wir als Charakter und Klasse des Klangs. Und die Aufgabe, das Ergebnis zu reproduzieren, läuft darauf hinaus, das Gitarrendesign zu reproduzieren und die Stimmung vorzunehmen.
Design reproduziert -> Klangcharakter
Design-Tuning – > Soundklasse
5 – Schlussfolgerung
Wir formulieren einen allgemeinen methodischen Ansatz für den Gitarrenbau wie folgt:
- – Es ist nicht unser Ziel, ein neues Instrument zu erfinden, da wir glauben, dass die klassische spanische Schule das Potenzial der Gitarre als strukturiertes Instrument bereits maximal ausgeschöpft hat.
- – Aus diesem Grund arbeiten wir daran, die Erfolge dieser Schule gründlich zu untersuchen und sie in konkrete Instrumente umzusetzen.
- – Dazu benötigen wir eine klare, fundierte Technologie für den Herstellungsprozess sowie objektive Kriterien für die Bewertung des gebauten Instruments (sein Klang, seine Ergonomie und Ästhetik).
In der heutigen Welt kommt es häufig vor, dass die Errungenschaften einer nationalen Kultur zum Erbe der gesamten Menschheit werden. Dies trifft sicherlich auf die klassische spanische Gitarre zu. Durch unsere Forschungen und den Bau dieser Gitarren hoffen wir, unseren Teil dazu beizutragen, das Erbe dieser großartigen Schule für zukünftige Generationen zu bewahren.
Autoren: Vladimir Druzhinin und Timofey Tkach / 23. März 2021